(L’un se prend pour BRUEGEL, l’autre pour BRECHT.)

Atelier de Web TV expérimentale / TV performative / Technologies collaboratives / Art des nouveaux médias
École européenne supérieure de l’image (ÉESI), Angoulême, 2016–2017.

Médialab ÉESI fut un espace-prototype de programmation cyber-primitif, conçu par les étudiant·e·s de l’ÉESI. Il proposait une expérience de diffusion artistique collaborative, pensée comme un acte de création à part entière.

Tout commence avec 500 euros de budget et aucun espace dédié dans l’école. Mais cette contrainte devint une chance : celle d’auto-construire, hors cadre, un lieu que nous désirions vraiment. Un espace de travail collectif, inventé de nos mains, pensé comme une aventure partagée. Un medialab : zone d’échanges intensifs de savoirs technologiques, inscrit dans un processus de création d’une web TV. Pour les étudiant·e·s de l’atelier, et ouvert par collaboration aux autres étudiant·e·s de l’ÉESI, il devint, le temps de son activation, un lieu de diffusion et de programmation temporaire.

ou l’école d’art à monter soi-même

Cet atelier de recherche et de création a proposé, pendant cinq mois, aux étudiant·e·s d’explorer de nouvelles relations entre les utopies télévisuelles des années 60 et 70 — telles que le Groupe de Recherches Image de l’ORTF, la télévision scolaire en France, les arts sociologiques ou encore les collectifs vidéo radicaux américains — et les moyens actuels de diffusion, de transmission, d’échange et de fabrication collaborative.

Ces archives et pratiques ont servi d’énergie et de source d’invention pour concevoir, puis construire collectivement un espace-prototype en extérieur : un tiers-lieu, au sein même de l’école, pensé comme un laboratoire démontable de télévision ou médialab.

Entièrement consacré à des expériences de diffusion artistique et d’édition audiovisuelle en direct, ce médialab articule arts vivants et pratiques numériques : connexion, réseaux, self-médias, DIY, vidéo low tech, film performatif, cinéma léger, bricolage créatif… Une approche hybride de la télévision, à la croisée des pratiques artistiques, de la recherche et des formes militantes.

Les étudiant·e·s ont été invité·e·s à inventer et auto-construire leur espace de travail collectif : un studio de transmission et d’échange dédié aux pratiques collaboratives, fondé sur la création partagée — un lieu de rencontres et de coopération.

L’objectif : développer un outil de création et de diffusion collectif, un prototype de Web TV servant d’espace de programmation pour les étudiant·e·s de l’ÉESI, alternant productions personnelles ou collectives issues de l’atelier Web TV, choix curatoriaux, filmages live, performances filmées ou streamées dans le studio.

Premier programme public du Médialab – Laboratoire des filmeuses-filmeurs
Jeudi 1er juin 2017 à 19h30

Extrait visuel d’un processus collectif

Vidéo-pédagogie, jeudi 28 mars 2013, Amphithéâtre de l’ENSA Bourges.

Une longue agonie de l’œuvre est la compilation de pièces sonores réalisées en commun par David Legrand et Philippe Zunino entre 2002 et 2012 — décennie dite tricarde, en marge des circuits artistiques officiels, période d’errance, de sabotage esthétique et de bricolages viscéraux.

Studio de tournage bioclimatique. La galerie du cartable / Bandits-Mages. Ecole des beaux-arts de Luang Prabang, Laos, 2009

« Après un mois et demi de chantier, notre studio de tournage et de diffusion est enfin terminé. Installé dans l’enceinte de la nouvelle école des Beaux Arts de Luang Prabang (LAOS-PDR), il s’est ouvert pour la première fois hier, jeudi 29 avril 2010, et remplit pleinement la fonction pour laquelle il a été conçu : Un espace de création et de diffusion audiovisuel. Sa toiture particulière à géométrie variable lui confère la possibilité de s’ouvrir à la lumière lors de prises de vues ou de se refermer pour devenir un cinéma. » Fabice Cotinat – la galerie du cartable

Luang Prabang – Journal de bord

Le studio solaire, consacré à la pratique vidéo, est construit avec des matériaux et savoir-faire locaux dans l’enceinte de la nouvelle école des Beaux-Arts de Luang Prabang.

Pour les prises de vues, il peut s’ouvrir et permet d’utiliser la lumière du jour.
Il se ferme quand il devient une salle de projection ou une salle de cours.
Il est en outre équipé d’un fond bleu vidéo et d’un écran de projection.

Parallèlement à la construction du studio, la galerie du cartable a conçu et fabriqué avec les étudiants une grue Louma.

Nous sommes installés dans une salle de l’école pour travailler le montage vidéo.
Nous allons refaire l’installation électrique de cette salle pour sécuriser un minimum le matériel.

Nous travaillons tous les jours avec les étudiants de l’école.
Trois d’entre eux, Sonepasith, Haktoui et Fassannah, sont particulièrement investis et ont pris en charge différentes « spécialités » :
– la prise de vue
– le montage vidéo sur Final Cut et sur Kino (Linux)
– le montage son

Ils ont ensuite eu ce rôle naturel — dans les pays orientaux — de transmetteurs auprès des autres étudiants.

Extrait du journal de bord d’Isabelle Carlier, directrice de Bandits-Mages et co-autrice du programme de recherche et de création audiovisuelle bioclimatique.

Pour apprendre à filmer avec un bambou

Les films du studio solaire

JopPimayPounyernyanyer
Chez les ancêtres du Nouvel An lao, 2010
Web-documentaire d’apprentissage réalisé et monté par les étudiant·e·s de première et deuxième années de l’École des Beaux-Arts de Luang Prabang.

Bande-annonce et trois extraits de « Chercher cinéma »
Dialogue fictif n°8 de La Galerie du Cartable
Robert Filliou et l’École des Beaux-Arts de Luang Prabang
Production : Bandits-Mages, 2008

La Grue et le Studio & KIT DI
Film-démo sur le fonctionnement du studio solaire en situation de tournage, incluant un premier plan réalisé avec notre grue Luma en bambou.
Accompagné d’un ciné-poème pédagogique : “Comment apprendre à filmer avec un bambou”, 2010.

Un abécédaire possédé, où le corps de l’Abbé Chamane traverse les lettres comme autant d’invocations démoniques, stations d’un chemin de croix post-bouddhiste des marais.

Une vidéo culte, burlesque et actionnelle de Legrand / Zunino.

20 ans après le premier Readymade in Gore

Période dite « Vers un apaisement stabilisé »

« Meditate and Destroy »

Plateau expérimental réalisé par Isabelle Carlier, inaugurant la future télévision de Bandits-Mages sur le Net : une télévision où le médium n’est plus le message, mais la continuité d’un corps télévisuel envisagé comme le déploiement d’un espace incontrôlable.
Une mise en œuvre du commun et des singularités, placée sous la direction du MIFI : The Made In Fiottes Institute, Philippe Zunino & David Legrand.
Durée : jusqu’à épuisement du sens.

Le domaine poétique et le dépassement de l’art

Performance / 40 minutes / Artothèque de la Bibliothèque municipale d’Auxerre / Avril 2009

Période dite « De la teigne et de la vérole », années 2000

Sitôt apparu que disparu, le duo toxico-poétique formé en 2009 écuma les marges de l’art contemporain avec une obstination aussi mythique que désastreuse — des performances si catastrophiques qu’elles devinrent cultes pour ceux qui y survécurent.

Vidéo-documents des performances

2008–2018 / Vidéo & Super 8 / 50 min / couleur, sonore

Nouvelle énonciation de la mort de Roland Barthes sous la forme manifeste d’un travestissement burlesque du cinéma indépendant. Directement inspiré de l’excentricité savante et littéraire de la Renaissance tant prisée par les Humanistes et les poètes baroques qui signalaient leur aptitude au jugement critique en usant d’une rhétorique de la déviance. Son actualisation dans les dialogues fictifs marque notre volonté d’une constante possibilité d’ironie dans l’art. Tourné à l’arrachée au Collège de France, dans les rues et les squats d’artistes parisiens, Roland et Marguerite met en scène au-delà de sa dimension comique les possibilités de continuité de la tradition marginale à l’époque contemporaine. Mais ne serait-il pas temps d’en faire encore autre chose ?

Scène dite « Recherche de la démarche de Duras par Joseph Morder », dirigé par la Galerie du Cartable

Mail de David Legrand à Joseph Morder
30 août 2007 – depuis le Café des Halles, Châteauroux

Cher Joseph,

Je n’ai pas trouvé mieux que de rédiger un journal de tournage pour te passer quelque chose de personnel sur notre film, son sujet, ses heurts, sa façon.

Après cette première partie avec Olivier, nous pensons tourner la deuxième avec toi après le 15 septembre, créneau qui, pour l’instant, prend en compte les disponibilités de chacun et, bien entendu, celle que tu m’avais donnée.

Concernant la durée du tournage, je pense qu’une journée et demie serait suffisante, contrairement aux trois jours que je t’avais annoncés un peu bêtement.

Voici le déroulé envisagé :
– Le matin, à partir de 10h30 : quelques plans de Duras seule, dans ta maison et dans ton quartier. Des instants de ta vie travestie en Duras ou incarnant le personnage.
– L’après-midi : la scène du camion et de l’écrasement, avec Olivier.
– Le soir : la scène de la mort, inspirée de La Grande Illusion, entre De Boeldieu (Pierre Fresnay) et von Rauffenstein (Eric von Stroheim), avec Olivier et peut-être trois Sœurs de la Perpétuelle Indulgence costumées en infirmières militaires.

Je suis en train d’adapter les dialogues pour Barthes, Duras et les infirmières — je te les enverrai très prochainement.

La demi-journée supplémentaire est prévue au cas où un imprévu ralentirait le tournage.

À propos de ta perruque et de ton costume, j’aurais besoin de tes mensurations : tour de tête, taille, poitrine, hanches et pointure.

Peux-tu me proposer une date qui te conviendrait à partir du 17 septembre pour couvrir cette journée et demie ?

Tous les frais liés au tournage seront bien entendu pris en charge.

J’espère que ce journal un peu brut, qui traduit l’esprit du film, te donnera envie.

En attendant ta réponse, depuis le café des Halles à Châteauroux,
d’où je me suis connecté pour t’envoyer ce message,
je commande un berrichon à ta santé.

Tchin !

— Ami, David

P.S. : Je te joins aussi la première version du synopsis.

EPUB

Michel Aubry et David Legrand

« C’est un honneur d’avoir bafoué le motif et dégueulé sur le sort des artistes néo-libéraux. »

« Dans le milieu de l’art — qu’il soit mainstream ou prétendument underground — personne n’a voulu de nos films.

Trop loin, trop sale, trop nous. On se présentait comme des artistes tricards, oui, mais c’était pas une posture, c’était une méthode. On tapait sur tout le monde, sans exception. Même sur nos propres tronches.
Avec une mauvaise foi dégoulinante. Une mauvaise foi presque élégante tant elle était abjecte.

Tu te souviens ? Cette scène. Tu l’as forcément déjà vue :

Ce fut l’époque des blacklists. De partout. Ahahahah. C’était délicieux.

Mais il fallait une énergie de mutants pour tenir cette tournée de farces artistiques, filmiques, satiriques. On giflait les artistes néolibéraux à tour de bras, comme des dominos en marbre mou. On a commencé en 2003. Et déjà, c’était le grand étalage : Concurrence, soumission, platitude sérieuse. Plus personne ne s’autorisait la démesure. Ou alors une démesure parfaitement mesurée, calibrée, vendable. Notre but, à nous, c’était de faire sauter la machine. De devenir tricards.

Vraiment. Là-dessus, mission accomplie. On ne faisait même plus d’expositions. On avait déplacé le champ de bataille : Transpédagogies. Transmédias. Trans-mutants.

Ces films ? Des charges critiques contre l’ancien régime artistique. Celui qui confondait éthique et capital. Notre slogan à l’époque résumait bien l’état des lieux :

“L’art donne du sens à l’argent, car l’argent donne du sens à l’art.”

Et puis on les a laissés là, dans leurs cimetières de sens sponsorisé. Pendant que nous, on se tournait vers les forces à venir. Celles qui grondent en marge, en ruine, en excès. Les révoltés du sens. La jeunesse brûlante, les vieux lucides, les femmes insoumises, les transmutant·es, les gouines incandescentes, les folles métaphysiques, les autistes magnétiques, les corps accidentés, les esprits échappés.

Et même : les plantes, les arbres, les microbes, les robots. Les espaces minoritaires de création. Les robots ratés, oui, surtout eux. Car ils échouent avec grâce. Comme nous ».

DL & PZ

La création de Hall Noir au cœur de l’association Bandits-Mages est, pour elle, l’occasion rêvée de répondre au besoin d’un espace de recherche plastique et filmique — destiné aux étudiant·e·s en art — qui ne soit pas directement lié à l’académisme ni aux impératifs du marché.

Ce sera un instrument d’exploration active des dimensions expérimentales, participatives et collectives de l’art, leur offrant les moyens de se consacrer pleinement à une expérience de programmation artistique, avec la même intensité qu’à une création autonome et critique.

À une époque où, selon nous, il est plus que jamais nécessaire de revendiquer un « ailleurs », pour inventer ses propres outils et faire émerger des utopies culturelles.

C’est à ce titre que, cette année, trois étudiant·e·s en art — Marie Gaudou, Violaine Higelin et Ophélie Soulier — ont conçu et réalisé, en pionnières, deux programmes d’expositions expérimentales installés dans le château d’eau de la ville de Bourges.

Tantôt Freakshow, tantôt Trans, iels proposent de le transformer en réservoir d’une multitude de récits en formation.

En voici les deux premiers :

TRANS – est un programme élaboré par Violaine Higelin sous la forme initiale d’une collecte de productions vidéo de la jeune création contemporaine (performance filmée, documentaire, installation vidéo, animation, …) dans une perspective Queer. La variété des modes de diffusion est privilégiée pour envisager la construction d’un environnement multimédia. Expérimentations, diffusions, revendications : parlons identités, parlons sexes, parlons désirs, parlons genres, parlons limites, parlons normes, parlons dépassement, dans une volonté de TRANS- formation / mutation / gression.

Gustave Paquet, 60 ans, théoricien de l’art, a été déclaré disparu le 8 novembre 2014 à Bourges.

La personne est retrouvée le 17 novembre vers 4h30, errante, non loin d’un vieux château d’eau asséché depuis 1940.

Visiblement en état de choc — au vu de ses propos incohérents — elle affirme avoir subi, une semaine durant, les sévices d’un groupuscule de jeunes adeptes de l’art monstre dénommé HALL NOIR.

« J’ai vu un FREAKSHOW ! Des jeunes, les yeux irradiés par le câble, gavé·e·s d’images streamées, sucé·e·s jusqu’à l’os par la fibre optique ! Une communauté d’icônophages, d’exhibs et de voyeur·euse·s, dévoué·e·s au culte d’un anthropomorphisme parasité…

Des cloportes avides de visions destructrices, suintant la boisson hyper-énergisante et le speed de pauvres, semblaient leur pomper le crâne tant iels se tuaient à expérimenter.

Dans un laboratoire aménagé en atelier expérimental, avaient lieu des tests, des mises à l’épreuve primaires, des assemblages de formes mutantes. Dans cette Interzone Divine, le bizarre se manipulait et s’archivait avec une rigueur quasi scientifique, tant il était contagieux.

Au centre d’une orgie de câbles et de machines hurlantes, un service d’obstétrique biomécanique pouponnait leur effrayante progéniture TRANS.

Dans cette couveuse de peepshows embryonnaires, et sans aucune lubrification, mes yeux subissaient des scènes contre-nature. Des films à caractère propagandiste réécrivaient une mythologie contemporaine. Des héro·ïne·s hybrides, le poing levé, étaient prêt·e·s à fister les codes et prophétiser de nouveaux genres ! »

Zoo artistique à visiter

HALL NOIR propose un workshop visant à constituer un espace pour l’art participatif nommé « Freakshow ». « Freakshow » traite de visions plurielles d’un anthropomorphisme disjoncté, en partant du constat que le corps est un hôte de parasites qui, comme notre langage, trouve sa construction dans un héritage. Dans cette approche, proche du laboratoire, les groupes, qui travailleront en interaction, réaliseront des formes et assemblages plastiques, des recherches performatives et audiovisuelles. L’espace du workshop sera ici l’espace de visibilité d’un travail en mutation et de ce qui s’y opère dans la création collective. « Freakshow » déconstruit les statuts du visiteur et de l’artiste, dans ce qu’ils tiennent respectivement du voyeur incônophage et de la bête de foire.

Le château d’eau était plongé dans une lumière crépusculaire, presque irréelle, on pouvait entendre le sable crisser sous les bourrasques d’un vent fort et impétueux.

Plus de marais, d’humide et de vert… un désert à perte de vue qui avait fini par ronger toute la ville, ses âmes, et ses bâtiments.

Demeurait encore ce monument à l’eau depuis longtemps tarie, présence ironique qui abritait en son sein ceux qui avaient résisté à la morsure du sable, de l’érosion… qui avaient su la fin venir et l’avaient court-circuitée. Il faisait chaud entre les murs ; le sol jonché de câbles et de tuyaux de toutes sortes donnait la sensation de piétiner une forêt de lianes crépitantes.

Au cœur : une forme de vie biomécanique, dévouée au polymorphe ; parce que de forme de Dieu, il ne restait plus que ces corps interagis, liés à l’encablure vitale et à l’énergie atomique. D’aucuns auraient évoqué le monstre ; mais d’aucuns, il n’y en avait plus.

Ceux qui restaient, ne gardaient d’humain que les images résiduelles qui parcouraient les fils de leur être muté et hybride. Les images flottent dans l’air par éclairs lumineux, surchargent des corps dans l’orgasme, inondent la courbe des murs pour de précieuses secondes et s’évaporent comme un mirage.

Des sons qui se mêlent, qui se parasitent, qui s’accouplent…

Un brouhaha enveloppant qui attire tout autant qu’il répulse…

Un bruit qui devient cette voix mutante qui réclame sa reconnaissance.

Le collectif de performeur·euse·s barcelonais Quimera Rosa est venu à Hall Noir pour préparer son action « Body Noise ». Cette performance propose une expérimentation corporelle autour de la construction d’un amplificateur de fréquences non audibles et de la génération de sons par le contact physique.
Iels construisent également un micro piézoélectrique (microphone de contact) pour enrichir la palette sonore.
Intéressé·e·s par la (dé)construction des mécanismes identitaires, iels aiment jouer à muter et hybrider les corps. Ensemble, iels créent des prothèses afin d’incorporer les amplis à leurs corps.

Coordination : David Legrand (artiste collectif)
Équipe de programmation 2014 : Marie Gaudou (ENSA Bourges) / Ophélie Soulier (ENSA Bourges) / Violaine Higelin (ESAL Metz).
Production : Bandits-Mages

Un prototype d’atelier-école dédié aux arts collectifs, co-fondé en 2014 lors des Nouvelles Rencontres Bandits-Mages par David Legrand, Isabelle Carlier, Marie Gaudou, Joséfa Ntjam, Ophélie Soulier, Violaine Higelin et Hadrien Deveaux. Développé jusqu’en 2022, cet outil de pensée et de mise en œuvre collective s’est ensuite métamorphosé en base Hall Noir, désormais active dans les multivers.

Depuis ses débuts, Bandits-Mages est le lieu où est montré ce que produisent et créent les jeunes artistes et les étudiants d’écoles d’art, de cinéma et nouveaux medias. Il sʼest toujours agi de montrer ce que chaque nouvelle génération construit, fabrique, étudie, avec une énergie et une acuité au monde qui nous laisse entrevoir les nouvelles esthétiques et démarches artistiques, poétiques et politiques à venir. Il sʼagit encore de donner à voir des réalisations qui témoignent d’une recherche et d’un positionnement naissant révélant souvent des univers encore insoupçonnés. Pour cette raison, et mues par l’envie intarissable de découvertes, les Rencontres Bandits-Mages accueilleront en novembre 2014 une programmation élaborée avec les étudiants eux-mêmes, issus d’écoles d’art françaises et étrangères. Ils sont invités à expérimenter collectivement des modes de diffusion artistiques et des moyens de production alternatifs.

Ainsi, un groupe issu du plateau d’expérimentations et d’investigations Vidéa Performing Art, créé en 2013 à l’occasion des précédentes Rencontres, a choisi d’explorer un autre usage des objets et des moyens qui sont habituellement utilisés dans le champs autonome de l’art (exposition, conférence, édition, événement, débat) pour ouvrir le HALL NOIR : un espace prototype destiné aux étudiants en art, pour se consacrer à part entière à une expérience de diffusion artistique comme on se consacre à une création, dans un contexte de Renovatio ou de deuxième Renaissance des dimensions expérimentales, participatives et collaboratives de lʼart. Et ainsi proposer de rendre visible la richesse des idées artistiques non-marchande d’aujourd’hui, qui ont besoin d’un hors-champs, d’un hors-format, pour inventer leurs propres outils et développer leurs utopies culturelles.

HALL NOIR entend offrir aux jeunes artistes-étudiants un ensemble d’outils critiques, matériels, logistiques et financiers pour mettre en oeuvre et générer des programmes et des espaces visionnaires, à eux.

« Car vous savez, ce qui fut grandiose dans les années cinquante, c’est que, pour un bref moment – disons, peut-être, six semaines -, personne ne comprenait l’art. Voilà pourquoi tout est arrivé. Parce que pendant une courte période, on a laissé les gens tranquilles. Six semaines, c’est tout ce que cela prend pour que les choses démarrent. Mais aujourd’hui, il n’existe plus d’endroit dans ces villes où se cacher pendant six semaines. Voilà ce à quoi cela ressemblait, d’être un artiste à New York, Paris ou ailleurs. »

(Solange Morlon, ancienne étudiante du Black Mountain College, structure expérimentale dʼécole d’art et pôle de créativité dans la lignée éminente du Bauhaus allemand en activité de 1933 à 1957 dans les montagnes de Caroline du Nord aux Etats-Unis)

Fonctionnement : Le processus de développement du programme est pensé comme un espace de travail collectif fait de recherches et de rencontres, qui associe étudiants et artistes, au travers de plages de temps et d’ateliers où échanger, essayer, inventer, faire ; accompagnant les spécificités et les durées particulières de chaque proposition jusqu’à leur organisation en séance de présentation dans le cadre des Rencontres Bandits-Mages dans des lieux pouvant potentiellement accueillir le HALL NOIR :

Salle de cinéma, musée, galerie, théâtre, centre d’art, espace public, ou des lieux intermédiaires que certains appellent alternatifs, dʼautres habités, à Bourges. Un appel est lancé auprès des jeunes artistes et étudiants qui souhaitent intégrer l’équipe de programmation ou simplement proposer un projet, une performance, un film.

Oeuvre commune. Triennale de Vendôme, 2015

Œuvre commune de Marie Losier et de la galerie du cartable (Fabrice Cotinat, David Legrand et d’Henrique Martins-Duarte). L’art de s’égarer où l’image du bonheur est avant tout une collaboration entre ces artistes qui se connaissent et s’estiment depuis longtemps sans jamais avoir eu l’occasion de produire ensemble une situation. Car il s’agit bien ici d’une situation et non d’une installation. Pour la Triennale de Vendôme, ils ont imaginé, sous la forme d’un Happening filmé et sur un plateau de tournage à trucage, la réalisation publique d’une scène d’un film où se mélangent les formats et les personnages, figures, décors et actions issus de leurs mondes cinématographiques. 
Une sirène, Madonna, Luther, Lucas Cranach, un homme-machine de la Renaissance, des êtres métamorphoses : mi-humains, mi-animaux, un musicien magicien, une gymnaste filmeuse, un metteur en scène américain du cinéma des années 20, agiront, filmeront et seront filmés en live, avec des systèmes vidéos et une caméra 16 mm. 
La discothèque du cinéma fera exploser ces paillettes en musique, celluloïds, et numérique analogiques ! Cet acte inaugural terminé, ils ouvriront leur cinéma Appolo au public de la Triennale, par la projection d’une longue série de leurs films durant toute la durée de l’exposition, plus d’une cinquantaine de films à découvrir !

La Isla Bonita prend la forme d’une île accueillant des dialogues fictifs entre des artistes et personnalités, vivants ou décédés, célèbres ou inconnus. Elvis Presley, Marie-Madeleine, Joseph Beuys, Andy Warhol, Pier Paolo Pasolini, Madonna, Albrecht Dürer ou encore  Martin Luther sont rassemblés dans cette installation multimédia et jouent en boucle des gestes de leur manifeste artistique ou intellectuel. Un cabinet audiovisuel évoquant les restes d’une installation vidéo brutaliste du XXe siècle projette une sélection de vidéos du collectif, retraçant ainsi vingt-cinq ans de production d’art vidéo à travers des films, saynètes, screen tests, prototypes, maquettes de film, performances filmées, etc.

Plateau de tournage et environnement-performance : La Isla Bonita. Apparitions d’artistes et de personnalités, vivants ou morts, célèbres ou inconnus — parmi eux, le peintre Alain Doret, les cinéastes Alain Cavalier et Joseph Morder, ainsi que les doubles d’Elvis Presley, Marie-Madeleine, Joseph Beuys, Andy Warhol, Pier Paolo Pasolini, Madonna, Albrecht Dürer et Martin Luther — rejouant en boucle les gestes de leur manifeste artistique ou intellectuel, à la manière de gifs animés vivants.

2012 / vidéo numérique / 13 min.

Novembre 2006, nous transformons l’espace de la galerie Octave Cowbell (Metz) en studio-théâtre pour jouer une action performance mettant en scène à l’intérieur de l’exposition d’une jeune peintre, Hermine Bosquet, une leçon de peinture d’Oscar Kokoschka à Günter Brus, dont le sujet, propose à travers un dialogue grossier :

«L’alliance anti-historique de l’expressionnisme et de l’actionnisme, pour un acte d’extrême culture qui rejoint d’extrême simplicité, afin que l’homme cultivé se retrouve à un autre niveau que l’homme culturel ».

Décembre 2011, nous proposons au groupe de musique expérimentale IF (Michael Barnabé et Vincent-Emmanuel Guitter) de réaliser en direct lors d’une projection publique de la première version montée du film la bande sonore du dialogue fictif.

Cette performance est filmée et intégrée dans le montage final. La leçon de peinture devient le sujet d’une leçon de musique, le dialogue traverse les époques, les genres, les lieux.

9 vidéos d’esthétique-fiction réalisées entre 2004 et 2022

Depuis 2004, la galerie du cartable écrit et met en scène des dialogues fictifs qui empruntent à l’histoire littéraire une forme particulière, une variante du dialogue ordinaire : le dialogue des morts. Parce qu’elle met en présence des personnages de pays et d’époques éloignés, et parce que toutes les vanités humaines s’anéantissent au moment de la mort, cette forme ouvre un champ d’une grande variété et permet une invention permanente, où l’on peut exprimer sans affectation des idées souvent opposées à celles communément admises.

Nous avons découvert ce genre littéraire à travers Fénelon, à une période où nous cherchions une autre voie que l’exposition pour transmettre une pratique artistique vécue comme une expérimentation de la vie quotidienne, insoumise et incandescente. Nous voulions montrer que cette nécessité de vivre l’impossible n’est rien d’autre que la possibilité, pour de petits groupes, de mener une vie de création permanente.

La création implique bien plus que le seul travail artistique : elle est avant tout la possibilité d’inventer des lieux de liberté pour l’imagination. Dans cette perspective, les Dialogues des morts nous ont offert un cadre idéal pour construire des langages capables de parler de cette possibilité, de ce projet de vie. Un cadre que l’adaptation filmique nous permettait de rendre visible.

Nous avons donc établi une liste de sujets de dialogues permettant de réunir, à chaque fois, deux morts célèbres de l’histoire de l’art ou de la pensée, ayant vécu à des époques différentes ou non, interprétés par des artistes ou des penseurs vivants, sous la forme de conversations filmées. Comme nous ne souhaitions pas que cette parole soit improvisée, il nous est apparu indispensable de l’écrire, afin de fabriquer un parler spécifique. Un style d’énonciation, écrit au plus près du langage des protagonistes et des propos qu’ils ont tenus ou qui leur ont été attribués.

Cette parole, une fois composée, n’est utilisée ni comme accompagnement, ni comme commentaire, mais comme une matière esthétique. Il s’agit de porter le langage de l’art à l’écran.

À cela s’ajoute la volonté, dans les Dialogues Fictifs, de faire entendre des morts qui continuent de penser le présent, par l’intermédiaire des vivants. Les voix des vivants reprennent celles des morts, s’y glissent, mais ramènent toujours leurs paroles au cœur de notre époque.

La fiction vidéographique permet alors de construire un espace de communication inédit entre les anciens, les modernes et les vivants. Elle engendre des récits de création excentriques dans lesquels, par exemple, Luther écrit des chansons pour Madonna, Vinci et Poussin se disputent en faisant leur jogging, Elvis promène Marie-Madeleine en Piaggio, et Le Corbusier fait voyager Dürer sur un tapis volant.

D’après « On n’y voit rien » de Daniel Arasse et « Manuel de réforme intérieur, Tractacus devotus de reformacione virium anime » de Gerard Zerbolt de Zutphen

Promenade-diffusion de la galerie du cartable, conduite par le double de Stanley Brouwn.

Transmissions dans les rues de Bourges le 29 novembre 2001 et dans les rues de Gennevilliers le 8 décembre 2003

3. Hommes portants

Vidéoportation de la vidéo Homme Portant de Boris Lehman dans la cathédrale Saint-Étienne.

Régénération de la Fernesehengalerie de Gerry Schum, avec un pas de Stanley Brouwn, une marche de Richard Long, un trajet de Denis Oppenheim et une vue de Walter de Maria, vers un film d’Armando Reverón

1° Construire un local technique qui soit immédiatement opérationnel dans n’importe quelle structure accueillante, qui nous permette d’entreposer, recharger, vérifier notre équipement, qui nous serve d’unité de montage et de production vidéographique démontable, qui corresponde et réponde aux exigences et aux caractéristiques de la galerie du cartable.

2° Un lieu singulier, une « espèce d’espaces» à la Perec, instable, transitoire et fonctionnel, relevant à la fois de la salle d’exposition et de l’atelier fréquenté par les techniciens avant et après leur service, pour prendre ou quitter leur fonction.

3° Une architecture simple, reprise horizontale d’un kiosque à journaux dessiné par Herbert Bayer en 1924, alliant l’esthétique du Bauhaus aux matériaux bruts d’une cabane de jardinier.

À la fois construction modeste, lieu de regroupement et objet d’expériences de la galerie du cartable, le local technique de création, est révélateur d’une pratique inédite de l’espace minimum à occuper pour créer, tout en permettant de faire fonctionner notre structure audiovisuelle, non plus de manière intempestive, mais en l’ancrant et l’intégrant dans le paysage urbain, dans la routine quotidienne, en inventant un nouveau petit métier de rue : le Facteur audiovisuel.

Installée à l’intérieur de la Galerie Edouard Manet, cette base de transmission a permis à Maximilien Fernandez, notre Facteur audiovisuel, de porter dans la ville de Gennevilliers tous les films réalisés par et pour la galerie du cartable. Quatre soirs par semaine, de 17h à 19h, le temps de l’exposition, à partir de trajet définis, il a arpenté la ville, un cartable sur son dos, créant ainsi une géographie filmique, notre commune d’images : un réseau de trajets et d’allures de vidéo-diffusion, non plus soumises seulement à l’espace géographique réel, mais également à celui propre des films diffusés et aux rythmes du corps portant.

C’est en 1990, au collège Marcel Duchamp de Châteauroux, école d’art expérimentale et de création collective, que Fabrice Cotinat, David Legrand et Henrique Martins-Duarte se rencontrent et commencent à travailler ensemble.

Mais c’est à partir de 1999 qu’ils décident de s’engager pleinement dans une œuvre commune en créant la galerie du cartable : structure audiovisuelle portative dans laquelle tour à tour réalisateur, metteur en scène, acteur et scénariste, ils investissent la création audiovisuelle par le biais du cartable vidéo – espace de projection et de création nomade – et pratiquent un cinéma d’invention dont l’originalité repose sur des dispositifs low-tech de prises de vue et des mises en scène contraintes par des architectures bricolées. Depuis, c’est sous cette signature qu’ils identifient leur travail et situent leurs productions entre la création de situations, d’interventions et la réalisation de films portatifs et performatifs.

« Nous faisions déjà partie d’un groupe, d’une histoire, d’une famille d’artistes sans le savoir. Puis, en 1999, nous nous en sommes souvenus, et nous avons créé la galerie du cartable, un média libre affranchi des normes de diffusion habituelles, enfant des situationnistes, des existentialistes et des lettristes. Faire de l’art impliquait bien plus que faire des arts plastiques : pour nous, tout était création, notre existence aussi. Changer notre vie, c’était transformer les structures artistiques en lieux que nous aimerions.

Mais oui, comme nous aimons aujourd’hui notre vie artistique anarchique et sans règles, nous devons donc changer les structures artistiques afin qu’elles deviennent des lieux que nous aimerions. Nous devrions donc changer les structures artistiques afin qu’elles deviennent des lieux que nous aimerions. Nous devons donc changer les structures artistiques afin qu’elles deviennent le lieu, des lieux que nous aimerions, des lieux communs exclus du contrôle. »

Galerie du Collège Marcel Duchamp. Châteauroux, 1990

Galerie ARGRAPHIE, Nantes, Avril 1999

L’art du récit dans l’espace

« Dans la république des enfants » n’est pas un nom de groupe, ni un collectif, ou encore un titre. Il est le nom donné à chaque immersion d’un ensemble de singularités dans « la république des enfants », qui conçoit et réalise des endroits de distractions de l’art pour les enfants.

En fait, il s’agit de faire des arts plastiques un territoire minimum de création annexe de l’œuvre d’art, qui soit aussi un territoire minimum de re-création annexe des espaces d’éducation et de loisirs prévus pour les enfants.

La GROTTE, immersive installation d’art, où Bernadette, petite religieuse tamponnée, peut-être mieux décrite comme une Pré-GROTTE installation, bougeant des murs peints + projeter des images.

Là, nous caractérisons notre superficie de recherche en affirmant les arts plastiques comme un lieu de redistribution permanente de ses multiples composants : peinture, sculpture, dessin, vidéo, installation, cinéma, etc.